Can Ellen Be Saved ? de Harvey Hart (1974) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

Sujet fort passionnant au demeurant, les sectes sous toutes leurs formes ont inspiré nombre d'auteurs au cinéma et à la télévision. S'inspirant parfois de faits authentiques ou n'étant que le fruit de l'imagination effervescente de scénaristes particulièrement inspirés. Nous allons très vite écarter les documentaires même si certains s'avèrent intéressants pour évoquer l'un des grand classiques de la Folk-Horror britannique The Wicker Man de Robin Hardy. Œuvre de fiction relativement dérangeante qui ne l'empêche cependant pas d'être considérée comme un film culte par les fins connaisseurs. Notons également les beaucoup plus récents et non moins fascinants Midsommar de Ari Aster et Apostle de Gareth Evans qui rejoignent eux aussi la grande tradition de la folk Horror et donc d'une certaine manière, ce mélange entre épouvante et communautés sectaires... Du côté des faits-divers, l'histoire de l'un des plus grands suicides collectifs liés à une secte inspira plusieurs longs-métrages. Côté cinéma, celui qui se faisait appeler ''Father Jim'' par ses adeptes, le révérend Jim Jones, la presse le surnommant même parfois le ''Gourou de Jonestown'' ou ''Le prédicateur de Jonestown'', fut au centre de plusieurs récits. Côté cinéma, les spectateurs eurent droit en 1979 à Guyana, la secte de l'enfer de René Cardona Jr. et beaucoup plus tard à The Sacrament de Ti West en 2013 tandis que les téléspectateurs effarés découvrirent en 1980 sur leur petit poste de télévision le téléfilm Guyana Tragedy : The Story of Jim Jones de William A. Graham... S'agissant plus largement du thème des sectes, l'on pourrait citer des dizaines d'autres exemples mais tenons-nous-en à cet objet plutôt obscure du moins de part chez nous intitulé Can Ellen Be Saved ? et simplifié dans nos contrées sous le titre Hélène. Hélène, oui, une fille comme les autres et qui pourtant n'a rien à voir avec celle qui fut l'une des grandes stars de TF1 dans les années quatre-vingt dix avec la série Hélène et les garçons, Hélène Rollès. Non ! Celle dont il s'agit ici est tout droit sortie de l'imagination du scénariste américain Emmett Roberts. Une jeune adolescente, avec ses doutes et ses craintes. Qui refuse de terminer son année d'études et qui plutôt que de se diriger vers cette université où elle ne se sent pas bien et semble être assez peu appréciée de ses camarades préfère suivre les membres d'une communauté de fervents chrétiens dirigée par le charismatique Joseph (Michael Parks)...

Difficile ici d'évaluer le niveau de dangerosité du ''gourou'', de ses adeptes et des préceptes de ce que d'aucun dans le coin considère de secte. L'une des très grandes faiblesses de ce téléfilm signé de Harvey Hart dont la carrière vogua de 1945 à 1989 entre grand et petit écran et sa trop courte durée. Comment aménager l'emprise mentale d'un gourou face à une adolescente se cherchant et dont les parents restent presque indifférents face à ses inquiétudes ? Comment développer la psychologie des différents personnages, le combat d'un père et d'une mère et le traitement radical administré par un homme qui n'en est pas à son premier coup d'essai lorsqu'il s'agit de sortir une jeune fille de l'influence dont elle fait l'objet auprès d'un homme qui compte dans sa communauté des dizaines d'adeptes ? Une heure et treize minutes. Voilà la durée de Can Ellen Be Saved? Insuffisante et contraignant son auteur à appliquer des coupes que l'on devine drastiques, il devient difficile de se faire une idée précise des méthodes employées par Joseph afin d'atteindre très spécifiquement ses objectifs. Bourré d'ellipses, le téléfilm s'en trouve malheureusement décrédibilisé. Ne signifiant jamais vraiment le temps qui passe, on ne sait plus si un jour, une semaine, un mois ou une année passe et la concentration du récit en à peine plus de soixante-dix minutes ruine les efforts pourtant louables du cinéaste et de son scénariste. Car avant que tout ne se précipite en à peine quelques séquences passant d'une adolescente d'abord réfractaire en une disciple ayant éludé la question du père et de la mère pour ensuite décrire l'enlèvement d'Ellen par ses parents précédant le traitement infligé par un certain James Hallbeck chargé de la faire revenir à la réalité, Can Ellen Be Saved? fait figure de très bonne description s'agissant de l'enrôlement de personnes faibles, perdues, à la recherche d'elles-mêmes ou naïves sous le prisme de la religion. Notons que la jeune femme est incarnée par l'actrice Katherine Cannon, que Joseph est interprété par Michael Parks et que les deux acteurs sont entourés d'une belle brochette de comédiens puisque dans le rôles des parents de l'adolescente l'on retrouve Leslie Nielsen (Y a-t-il un pilote dans l'avion ? de Jim Abrahams et David et Jerry Zucker, Dracula, mort et heureux de l'être de Mel Brooks et interprète de tout un tas d'autres comédies parodiques) ainsi que Louise Fletcher, laquelle est devenue mondialement célèbre grâce au rôle de l'infirmière Ratched dans le chef-d’œuvre de Miloš Forman, Vol au-dessus d'un nid de coucou. Quand à John Saxon qui incarne ici le rôle de James Hallbeck, durant sa longue carrière télévisuelle et cinématographique, il aura participé à bon nombre de films d'horreur parmi lesquels Ténèbres de Dario Argento, Les Griffes de la nuit de Wes Craven ainsi qu'Une nuit en enfer de Robert Rodriguez. Au final, Can Ellen Be Saved? n'est pas un mauvais téléfilm. Il manque simplement à son auteur une bonne heure pour pouvoir développer avec aisance son sujet...

 

The Longest Night de Jack Smight (1972) - ★★★★★☆☆☆☆☆

 

 

Le 17 décembre 1968 aux environs de quatre heures du matin, Jane Mackle et sa fille Barbara reçoivent la visite impromptue de Gary Steven Krist, un ancien condamné, et de sa complice et petite amie Ruth Eisemann-Schier. Tandis que Jane s'était chargée de ramener sa fille après que celle-ci ait contracté la grippe de Hong Kong à l'université Emory d'Atlanta où elle étudiait, la mère et la fille s'étaient arrêtées pour la nuit dans un hôtel de la chaîne Rodeway Inn. Tout comme dans cette première adaptation télévisuelle d'un fait-divers ayant donc eu lieu à la fin des années soixante en Floride, l'adolescente fut kidnappée tandis que sa mère fut attachée sur son lit avant d'être chloroformée. Les deux ravisseurs prirent alors la route à bord de leur véhicule à l'arrière duquel ils placèrent Barbara avant de se rendre dans une région isolée afin de l'enfermer dans un cercueil aménagé (lumière et ventilation reposant sur l'usage d'une batterie dont la durée de vie est limitée) et enterré dans le sol. Ce qui n'était jusque là qu'un ''classique'' enlèvement allait se transformer en une épreuve encore plus épouvantable pour la jeune fille et pour ses parents, morts d'angoisse à l'idée de ne pas la retrouver à temps. Toujours est-il que contre la survie de Karen Chambers (nom donné à la victime dans ce téléfilm), ses kidnappeurs mettent au point un chantage. Soit son père Alan accepte de lui donner cinq-cent mille dollars, soit sa fille mourra dans une semaine par manque d'oxygène. Réalisé par Jack Smight en 1972, The Longest Night est la première des deux adaptations de ce fait-divers qui défraya donc la chronique judiciaire américaine en 1968. Le téléfilm repose sur la collaboration de la famille avec plusieurs membres du FBI parmi lesquels l'on retrouve notamment l'acteur afro-américain Jason Bernard qui entre télévision et cinéma apparut notamment chez John Badham (Tonnerre de feu et Wargames), Peter Hyams (La nuit des juges), Clint Eastwood (Bird) ou Tom Shadyac (Menteur, menteur) et dans le rôle de Caleb Taylor dans la mythique série de science-fiction, V en 1983. Autre acteur connu bien que secondaire, Richard Anderson incarne ici d'Harvey Eaton, l'ami d'Alan Chambers. Bien qu'il ait connut une très importante carrière sur grand et petit écran, il reste surtout connu pour avoir interprété le rôle d'Oscar Goldman dans les série L'homme qui valait trois milliards et Super Jaimie...

Quant aux deux criminels qui kidnappent la jeune fille dans le téléfilm, ils sont respectivement interprétés par Sky Aubrey et James Farentino, lequel est bien évidemment surtout connu pour sa participation à de nombreuses séries télévisées. Bien que le sujet de l'enlèvement et de la séquestration d'une adolescente ici interprétée par Sallie Shockley dans une boite pas plus grande qu'un cercueil soit relativement sensible (ami claustrophobes, bonjour à vous), le téléfilm est traité de manière assez classique. Suivant assez fidèlement le fait-divers tel qu'il se produisit quatre ans auparavant, il ne faut pas s'attendre à un festival de courses-poursuites ou de fusillades. Tout au plus The Longest Night démontre le génie diabolique de Gary Steven Krist dont le nom a été ici remplacé par celui de John Danbury. Ce système mis au point ajoutant un surcroît de pression et l'obligation pour la famille et les autorités de respecter scrupuleusement les ordres édictés par le ravisseur. Si la présence d'Ellen Gunther, la complice dont le nom prend la place de celui de Ruth Eisemann-Schier s'explique par sa participation à l'enlèvement de Barbara, le personnage incarné par Skye Aubrey n'est en fait d'aucune espèce d'utilité. Un personnage secondaire dispensable, qui ne joue en réalité sur aucun élément du script. Au final, The Longest Night est un téléfilm relativement anodin, pourtant réalisé par celui qui mit en scène Peter Falk dans l'excellent épisode de la série Columbo intitulé Poids mort en 1971, réalisa l'excellent téléfilm fleuve Frankenstein : la véritable histoire en 1973, le film catastrophe 747 en péril en 1974 ou encore le film de science-fiction Les Survivants de la fin du monde en 1977... Bref, le téléfilm n'intéressera que ceux qui s'intéressent en profondeur à ce cas d'enlèvement très particulier. Notons enfin qu'en 1990 une seconde adaptation fut réalisée par Donald Wrye sous le titre 83 Hours 'Til Dawn...

 

C'est qui le chef ? d'Aude Gogny-Goubert (2026) - ★★★★★★★☆☆☆

 

 

Actrice, metteuse en scène de pièces de théâtre et réalisatrice, Aude Gogny-Goubert s'est retrouvée l'année dernière derrière la caméra avec la comédie C'est qui le chef ?. Produit par France Télévisions et par 17 Juin Fiction (société de production créée en 1992 par Christian Gerin avant d'être intégrée au groupe TF1 Studios bien des années après), ce téléfilm met en scène le chef cuisinier Étienne Barbier qui après avoir fait scandale en insultant une femme lors d'une émission de télévision s'est retrouvé blacklisté et a dû fermer les portes de son restaurant. Sans logements et sans ressources, il vit désormais chez son demi-frère Nicolas Pruvost et son épouse Nadia avec laquelle il ne s'entend guère. Cherchant à tout prix à retrouver du travail, ce méprisant personnage, imbu de lui-même, arrogant, narcissique et misogyne accepte sous l'impulsion de Nicolas d'aider la jeune influenceuse Lila Debruyne qui vient d'ouvrir son propre restaurant. Les débuts sont difficiles pour la jeune femme ainsi que pour sa mère Valérie (Céline Ronté) et le commis Kevin Garcia (Benjamin Clery). Dépassée par le succès, l'équipe n'arrive absolument pas à tenir le rythme et les critiques de la part des followers de l'influenceuse se font assassines... Si Étienne accepte de venir en aide à Lila, c'est à une seule condition : qu'il dirige les cuisines... Les œuvres traitant des cuisines d'un restaurant étant légion, difficile de se démarquer. Cuisine américaine de Jean-Yves Pitoun en 1998, Comme un chef de Daniel Cohen en 2012, Les saveurs du palais de Christian Vincent la même année ou plus récemment, Délicieux d'Eric Besnard en 2021, La brigade de Louis-Julien Petit en 2022 ou A la belle étoile de Sébastien Tulard l'année suivante... Sans parler des quelques séries télévisées qui tournent majoritairement autour des cuisines des grands restaurants comme Chefs d'Arnaud Malherbe et Marion Festraëts, Bistronomia de Marie-Sophie Chambon ou encore le feuilleton Ici tout commence de Coline Assous, Éric Fuhrer et Othman Mahfoud... Outre le portrait peu avantageux qui est fait du grand chef-cuisinier qu'est Étienne Barbier (lequel est interprété par l'oto-rhino-laryngologiste Michel Cymes dont la carrière médiatique débuta à Télématin sur Antenne 2) C'est qui le chef ? est surtout l'occasion pour Aude Gogny-Goubert de confronter deux générations...

Celle d'une époque révolue ou les mœurs étaient bien différentes et où insulter une femme ne vous condamnait pas systématiquement au ''blacklistage''. L'ère de la télévision, où la grande cuisine semblait être l’apanage exclusif des hommes et où traiter ses employés de manière fort indélicate ne semblait pas poser trop de soucis. Et puis, celle d'aujourd'hui. Où les informations circulent sur les réseaux sociaux plus rapidement qu'un cheval au galop. Où la mode est aux influenceurs et à la Nouvelle Cuisine. Lesquels attirent derrières eux des dizaines, voire des centaines de milliers de followers. Des messies de l'Internet auxquels semble donc appartenir Lila. Dont le soucis principal est pour l'instant de conserver sa ''communauté'' d'internautes au mépris de certaines règles de base que va pourtant tenter de lui inculquer Étienne. Le problème étant que l'un et l'autre veut travailler à sa façon et être le ''chef'' des cuisines... Plutôt frileux à l'idée de voir Michel Cymes incarner l'un des deux principaux rôles alors qu'il me semblait plutôt logique que Bruno Solo, acteur, était naturellement celui qui aurait dû endosser le tablier du Chef de cuisine, les inquiétudes se dispersent rapidement. En effet, en grand restaurateur déchu de son piédestal, misogyne, infecte avec son entourage (de sa fille Zoé qu'il a envoyé vivre en Australie jusqu'à Nicolas qui pourtant l'héberge, le nourrit et lui a trouvé un travail), Michel Cymes est plutôt savoureux à voir dans la peau de ce grand chef-cuisinier imbitable contraint de se confronter à une influenceuse aux méthodes gastronomiques pas toujours conventionnelles. Mais plus qu'une simple comédie, C'est qui le chef ? traite également du rapport au passé douloureux. Le téléfilm est amusant mais aussi parfois touchant. Bref, le genre de programme dont on n'attend pas grand chose mais qui au final se révèle très plaisant à regarder...

 

Un pas de côté d'Anne Giafferi (2025-2026) - ★★★★★★★★★☆

 

 

Isabelle Carré et Bernard Campan se sont rencontrés sur le tournage du film Se souvenir des belles choses de Zabou Breitman en 2001. Amis depuis cette époque là, ils ont ensuite partagé ensemble plusieurs projets cinématographiques. La Dégustation d'Ivan Calbérac en 2022, Et plus si affinités d'Olivier Ducray et Wilfried Méance qui n'est autre que le remake de la comédie espagnole de Cesc Gay Sentimental et ont collaboré plus récemment à deux autres longs-métrages. Les Rêveurs qu'Isabelle Carré a réalisé et écrit elle-même ainsi que Jean Valjean d'Éric Besnard, dernière adaptation sur grand écran des Misérables de Victor Hugo... Cette année les aura également vu monter sur les planches du Théâtre de la Renaissance où, ensemble, ils incarnent deux inconnus qui se rencontrent sur un banc public. Écrit et mis en scène par la réalisatrice et scénariste Anne Giafferi, Un pas de côté suit les aventures de Catherine et Vincent qui au tout début du printemps se retrouvent donc sur le même banc d'un petit parc situé à équidistance des appartements de l'un et de l'autre. Elle est principale clerc de notaire dans une étude, passionnée de littérature et la compagne de Stéphane (Stanislas Stanic), homme dépressif avec lequel elle partage son existence depuis quinze ans. Lui est compositeur de musiques de films, marié à une femme (Hélène Babu) depuis plus de vingt ans, père de deux enfants et maître depuis peu d'un chien ! Le premier contact entre ces deux inconnus se passe mal, mais pourtant, au fil des jours, Catherine et Vincent se retrouvent sur le même banc à l'heure du déjeuner. Se noue entre eux une relation amicale qui peu à peu va dévier vers une passion amoureuse avec laquelle l'un et l'autre tenteront de garder des distances puisqu'ils sont en couple... Cela paraît de plus en plus évident au fil du récit mais Un pas de côté ne pouvait sans doute être écrit et mis en scène qu'avec la sensibilité d'une femme. Car derrière l'approche habituellement théâtrale de ce genre d'exercice confrontant directement les protagonistes au public, la pièce d'Anne Giafferi diffère de ce genre de spectacle auquel l'on est habitués. La grandiloquence laissant place ici à une certaine délicatesse que l'on ne rencontre guère que dans les grandes histoires d'amour entre deux êtres qui tout d'abord se découvrent, s'effleurent puis s'aiment d'un amour sans conditions.

Sauf qu'ici, la passion entre Catherine et Vincent est contrariée par leur vie de couple respective. Les rôles incarnés par Hélène Babu et Stanislas Stanic prenant ainsi une importance considérable allant au delà du simple statut de gadget. Des rôles secondaires auxquels s'ajoutent d'autres personnages, sans doute moins polarisant que le carré d'acteurs principaux mais qui permettent de donner vie à ce lieu de rencontre, constitué d'une poubelle, d'un banc et d'un arrière-plan numérisé qui parfois prend vie... Intense et parfaitement documentée, l'histoire de Catherine et de Vincent, c'est aussi celle de toute personne qui un jour dans sa propre existence à croisé celui ou celle qui allait partager un peu, voire même beaucoup de son quotidien. Ce moment très précis où le cœur n'a jamais battu aussi fort, où l'envie de manger ne s'est jamais montrée aussi pressente que le moment de retrouver son alter ego de cœur. Derrière les rires francs (la scène du jean), Un pas de côté renvoie aux expériences personnelles du public et le choix de la lumineuse Isabelle Carré et du formidable Bernard Campan n'est très certainement pas innocent. Car amis depuis si longtemps, le duo forme un couple attachant, drôle, émouvant et surtout, sincère. La pièce d'Anne Giafferi décrit parfaitement la routine d'une vie de couple et ses contraintes lorsque apparaît l'évidence : Ici, le choix de Catherine et de Vincent ne tient pas seulement d'un besoin de changement mais d'une passion amoureuse, subite mais réfléchie. Comment construire une relation quand des barrières nous imposent de penser aux proches qui nous entourent et auxquels il serait si ingrat de faire du mal ? En conclusion, Anne Giafferi apportera une réponse qui ne satisfera probablement pas tout le monde mais d'ici là, mon dieu, quel bonheur que cette rencontre. Quelle joie que de retrouver une fois encore le duo Isabelle Carré/Bernard Campan. Et quelle attente insupportable à laquelle il va désormais falloir se faire une raison : patienter jusqu'à la prochaine pièce ou long-métrage d'Anne Giafferi... À voir, à déguster sans modération...

 

The Dead Don't Die de Curtis Harrington (1975) - ★★★★★☆☆☆☆☆

 

 

On l'oublie sans doute un peu trop souvent mais les zombies ou les morts-vivants tels qu'ils apparaissent depuis des décennies à l'écran ont des origines qui remontent à très loin dans le temps. Avant de devenir des créatures avides de chair humaines sous l'impulsion de George Romero en 1968 avec le classique The Night of the Living Dead, ils étaient avant tout les victimes de sorciers vaudous appelés Bòkò. Des hommes qui pratiquent la magie noire en plongeant des individus dans une forme de catalepsie à l'aide de poudres ou de breuvages contenant de la tétrodotoxine, une toxine neurotoxique extraite chez certains poissons dont l'un des plus connus reste le Fugu. Une fois la victime déclarée morte, elle est enterrée puis exhumée quelques temps plus tard par le Bòkò qui la manipule en contrôlant son esprit afin de l'asservir. Avec un tel sujet, il était inenvisageable que le septième art n'ait pas l'idée d'employer un jour un tel propos à l'écran. Le premier à s'y intéresser sera le réalisateur, scénariste et producteur américain Victor Halperin qui en 1932 réalisera White Zombie. Quatre ans plus tard, Michael Curtiz signera avec The Walking Dead une œuvre qui déjà s'éloignera du thème des rites vaudous pour se pencher sur une expérience visant à ressusciter un homme qui pour le coup sera réellement décédé. Un changement de point de vue qui n'empêchera cependant pas certains cinéastes de persévérer dans le courant folklorique haïtien puisque le franco-américain Jacques Tourneur réalisera notamment en 1943 le film I Walked with a Zombie dans lequel une jeune femme sera envoûtée avant de devenir une zombie... Si depuis le zombie tel qu'il fut évoqué dans le septième art durant la première moitié du vingtième siècle a bien changé et s'est même depuis transformé en infecté, victime d'un virus particulièrement virulent (un concept que l'on doit une nouvelle fois à George Romero avec The Crazies qu'il réalisa en 1973), certains ont malgré tout perpétré le genre dans sa constitution d'origine à l'image de Wes Craven qui en 1988 et avec The Serpent and the Rainbow (L'Emprise des ténèbres) signait l'une des plus remarquables œuvres du genre.

Beaucoup moins connu demeure cependant le téléfilm de Curtis Harrington The Dead Don't Die, lequel n'entretient aucune relation avec le long-métrage éponyme réalisé en 2019 par Jim Jarmusch. Dans ce téléfilm datant de 1975, un homme est condamné à mort et exécuté à la chaise électrique devant divers témoins dont son propre frère, Don Dreke. Persuadé de son innocence dans le meurtre pour lequel il fut reconnu coupable, ce dernier se lance en quête de vérité mais découvre très bientôt que Ralph est peut-être toujours bien vivant. En effet, alors qu'il dîne au restaurant, il voit à travers l'une des fenêtres de l'établissement celui qu'il croyait mort. Le poursuivant jusque dans une boutique, Don est tout d'abord chassé des lieux par le propriétaire Perdido. S'empoignant l'un et l'autre, Don tue l'homme par accident avant d'être assommé par l'assistante de Perdido, Levenia (Joan Blondell). À son réveil, il constate qu'il est chez Vera Lavalle, une jeune femme qui la veille au soir s'était approchée de lui une première fois afin de l'avertir des dangers qu'il encoure... Si The Dead Don't Die est effectivement peu connu, du moins dans nos contrées, cela provient sans doute davantage du fait qu'il s'agisse d'un téléfilm et non pas d'un long-métrage sorti à l'époque sur grand écran que de la présence au sein du casting d'acteurs demeurant par contre relativement connus. En effet, dans le rôle principal l'on retrouve tout d'abord l'acteur George Hamilton. Interprète de nombreux rôles au cinéma et à la télévision il devra notamment sa célébrité en incarnant le Comte Vladimir Dracula dans Le Vampire de ces dames de Stan Dragoti en 1979 ou de multiples personnages dont Don Diego de la Vega dans la parodie La Grande Zorro de Peter Medak en 1981. A la télévision, on le découvre dans de nombreux téléfilms et séries télévisées, marquant ainsi l'esprit des fans de séries policières et spécifiquement ceux de Columbo en incarnant par deux fois le criminel dans État d'esprit en 1975 et Attention ! Le meurtre peut nuire à votre santé en 1991.

Dans The Dead Don't Die il incarne un héros tout d'abord désabusé qui va tenter de dénouer le nœud d'une affaire très étrange et qui mettra en scène une galerie de personnages hauts en couleur. À commencer par l'immense Ray Milland, dont la carrière débuta dans les année 20 pour s'achever longtemps après dans les années 80. L'homme a tout joué. Du tueur lui aussi dans la série Columbo, côtoyant les plus grands, passant même au rayon horreur à plusieurs reprises et notamment avec le cultissime et nanardesque The Thing with Two Heads de Lee Frost en 1972. Et pour continuer dans la liste des acteurs qui firent leur apparition dans la série Columbo (décidément), notons que l'acteur afro-américain James McEachin qui fut donc visible dans les épisodes Symphonie en noir et Meurtre parfait incarne ici le personnage de Frankie Specht. N'oublions pas l'inquiétant Reggie Nalder, acteur américain d'origine autrichienne dont le visage est demeuré inoubliable. Une physionomie atypique qui lui permit d'intégrer notamment les castings de La marque du diable de Michael Armstrong et Adrian Hoven ou de L'Oiseau au plumage de cristal de Dario Argento tout deux réalisés en 1970. Du côté des interprètes féminines, Linda Cristal incarne celle qui épaulera Don Drake durant l'aventure. De son véritable nom Marta Victoria Moya Peggo Bourgés, l'actrice d'origine chilienne est surtout connue pour ses rôles dans Les Légions de Cléopâtre de Vittorio Cottafavi et dans Alamo de et avec John Wayne. Pour un téléfilm ayant la vocation d'être vu par un large public, The Dead Don't Die s'avère étonnamment sombre. Presque morbide. Un sujet que l'on doit d'ailleurs à l'écrivain et scénariste américain Robert Bloch dont le plus célèbre fait d'arme reste bien évidemment le roman Psychose adapté sur grand écran en 1960 par le cinéaste britannique Alfred Hitchcock.

 

Robin Redbreast de James MacTaggart (1970) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

Tandis que le réalisateur et scénariste franco-polonais Roman Polanski s'installait à la fin des années soixante aux États-Unis pour y tourner notamment le classique de l'épouvante Rosemary's Baby, deux ans plus tard, le réalisateur, scénariste et producteur écossais James MacTaggart signait entre 1970 et 1973 six des trois-cent vingt-cinq épisodes qui constitueront la série Play for Today dont la production débutera dès le tout début de la décennie pour s'achever quinze ans plus tard, en 1984. Et parmi ces six épisodes, le rarissime Robin Redbreast dont l'objectif était peut-être alors de concurrencer le classique américain par des méthodes sensiblement différentes. Considérant que le budget alloué à cet épisode dont le format appartient habituellement à celui d'un téléfilm ne devait sans doute pas excéder les quelques dizaines de milliers de livres sterling, difficile alors de comparer un produit uniquement prévu pour une projection télévisuelle avec un long-métrage dont les ambitions furent d'apporter leur comptant de frissons à des spectateurs venus s'enfermer dans les salles obscures. Partant d'un postulat on ne peut plus élémentaire, Robin Redbreast s'inscrit pourtant bien dans une culture du cinéma d'épouvante très spécifique. Ici l'on parle effectivement de Folk-Horror. Ce sous-genre du cinéma d'horreur qui détourne en général les folklores du monde entier, lequel a donné naissance à des œuvres parfois remarquables parmi lesquelles nous citerons bien évidemment l'iconique The Wicker Man de Robin Hardy en 1973 (et non pas son très dispensable remake signé de Neil LaBute en 2006), The Witch de Robert Eggers en 2015, Le bon apôtre de Gareth Evans en 2018, Midsommar de Ari Aster en 2019 (digne héritier du long-métrage de Robin Hardy) ou encore Pamyo du sud-coréen Jang Jae-hyeon en 2024... Remarquable à plus d'un titre puisqu'il aborde très tôt et avant tout le monde le sujet de l'indépendance des femmes, ici incarnées à travers le personnage de Norah (l'actrice Anna Cropper), Robin Redbreast longtemps été considéré de perdu. Traitant d'une femme de trente-cinq ans qui après s'être séparée de son compagnon après huit années de vie commune part s'installer dans son cottage, loin des grandes villes et de la civilisation...

Un coin perdu de la campagne anglaise où, selon des rumeurs proférées par un certain ''Rob'', la consanguinité ferait des ravages parmi la population du petit village qui abrite les quelques seconds rôles qui tour à tour côtoieront notre héroïne... Un jeune homme incarné par Andy Bradford. Adepte d'arts-martiaux auxquels il s'adonne dans la nature, vêtu d'un simple caleçon, celui-ci est également réputé pour ses connaissances en matière de vermine dont il débarrasse les propriétaires sur demande. Soutenue par une vieille femme qui l'aide aux tâches ménagères et par un homme étrange mais cultivé du nom de Fisher (Bernard Hepton) qui l'abreuve de conseils, Norah semble donc pouvoir compter sur la bienveillance de ses voisins... Mais comme on s'en doute, rien n'est jamais vraiment simple avec ce genre de récit. Et surtout s'agissant de l'adaptation télévisuelle du script conçu par le scénariste et producteur originaire de l'Inde, John Bowen. Après avoir déployé le concept d'indépendance chez son héroïne, James MacTaggart marque une rupture de ton lorsque la très attendue relation intime entre l'héroïne et Rob vient déclencher tout un réseau de conséquences qui semblent tous reliés par un seul et même événement à venir. Plutôt linéaire dans ses premiers soubresauts, Robin Redbreast finit par devenir tendu, lorsque l'on constate la fragilité de Norah, développée à travers la présence du bébé qu'elle attend désormais à défaut d'avoir pu se protéger lors de sa relation sexuelle avec Rob. D'autant plus qu'à l'image d'un Mother! (Darren Aronovsky) signé longtemps après, le téléfilm s'inscrit non seulement dans le genre Folk-Horror mais également dans celui du Home Invasion, avec ces voisins qui ne cessent de s'inviter, de s'incruster pour des raisons hautement fallacieuses chez la citadine. En résulte un téléfilm qui parfois se révèle réellement anxiogène malgré son demi-siècle (et un peu plus) d'existence...

 

The Plumber de Peter Weir (1979) - ★★★★★★☆☆☆☆

 

 

Lorsque l'on évoque le réalisateur australien Peter Weir, il y a de fortes chances que parmi les œuvres qu'il signa durant sa carrière l'on cite Pique- nique à Hanging Rock, La dernière vague, Witness, Le cercle des poètes disparus ou bien The Truman Show que cet étrange petit téléfilm qu'il réalisa en 1979. Quelques années avant de partir s'installer aux États-Unis, Peter Weir met effectivement en scène ce qui demeurera son second et dernier téléfilm pour la télévision australienne, incarné par de parfaits inconnus ou presque puisque l'on retrouvera notamment Judy Morris dans le rôle de Beth Winters en 1984 dans le film d'horreur Razorback de Russel Mulcahy et l'acteur Ivar Kants dans celui de Roberto Bordino dans la sympathique série télévisée pour ados, Hartley, cœurs à vif entre 1994 et 1997. Comme l'indique le titre, The Plumber met en scène un plombier prénommé Max qui un jour déboule sans prévenir chez Jill et Brian Cowper. Alors que ce dernier est sans cesse en voyage d'affaires, son épouse se retrouve donc nez à nez avec cet étrange individu qui affirme avoir été très officiellement envoyé afin de vérifier l'état des canalisations. Une intervention somme toute banale mais qui va dégénérer lorsque Max va se montrer invasif envers Jill qui malgré ses suppliques auprès de Brian n'obtiendra aucune aide de son époux... Drôle d'objet téléfilmique effectivement... Si le fond et la forme se rejoignent dans un grand tout qui inscrit The Plumber dans une sorte de comédie horrifique, le scénario de Peter Weir ainsi que sa mise en scène ou l'interprétation des trois principaux protagonistes détonnent avec ce qu'avait jusque là l'habitude de nous proposer l'auteur, en outre, de Les voitures qui ont mangé Paris cinq ans auparavant. Et pourtant, sous des atours qui joignent cet curieuse mésaventure à bon nombre de longs-métrages dans lesquels à l'époque de jeunes femmes étaient traquées par des individus de sexe masculin, du genre When a Stranger Calls que Fred Walton réalisa la même année, The Plumber a la particularité de danser sur deux pieds, lésinant du côté de l'épouvante avec cet inconnu qui s'accroche à l'héroïne, s'installe chez elle à longueur de journées, s'effaçant juste avant que le mari ne revienne, pour ressurgir dès le lendemain matin, se montrant parfois menaçant, agressif.

Mais aussi de la comédie, avec cet humour à froid, que l'on dirait noir sous certains aspects, traversant l'écran, peu en raccord avec les dialogues mais davantage avec cette situation parfaitement ubuesque que Peter Weir cultive de manière sadique en refusant à Jill d'y mettre un terme de manière définitive. Car quoi de plus simple que de prendre le combiné du téléphone, de composer le numéro de la police afin qu'elle intervienne dans cette inextricable situation? Cependant, la jeune femme préfère s'en tenir à alerter son mari. Celui qui par définition est censé la protéger, veiller sur elle et l'aider en cas de coups durs ou de dangers... Accentuant encore le côté humoristique du téléfilm, Peter Weir fait de l'époux un type plutôt à l'ouest, ne s'inquiétant pas de la présence d'un étranger chez lui. Pas même lorsque la salle de bain où le bonhomme effectue des travaux devient un véritable champ de ruines. Côté frissons, même si la peur n'est jamais au rendez-vous, le cinéaste australien crée parfois un sentiment de malaise qui peut aller très loin s'agissant de la présence parfois hostile et on ne peut incommodante de Max, type instable, soliloquant et donc très inquiétant. The Plumber fait parfois office d'étude sociologique là où en bonne anthropologue, Jill accueille (parfois bien malgré elle) ce ''plombier'', chanteur, guitariste, harmoniciste et... prédateur de classe inférieure revanchard. Étudiant le genre humain, et notamment tout ce qui semble avoir trait à l'Afrique ou aux aborigènes d'Australie comme en témoignent les enregistrements qu'elle diffuse dans l'espoir vain de faire partir son envahisseur, Jill va peu à peu s'en affranchir pour tenter de se débarrasser de Max. Sans doute était-il perfectible mais The Plumber, auréolé d'une étrangeté qui caractérise à l'époque le cinéma de son auteur mérite d'être découvert. D'autant plus que ce téléfilm peu anodin reste très méconnu dans nos contrées... Une bonne surprise...

 

Substitute 2 : School's Out de Steven Pearl (1998) - ★★★★★☆☆☆☆☆

 

 

Deux ans après The Substitute de Robert Mandel, beaucoup de changements ont été opérés. À commencer par le format qui passe du long-métrage diffusé en salles au téléfilm. Ensuite, la mise en scène de The Substitute 2 : School's Out est désormais assurée par le réalisateur et producteur Steven Pearl qui après un court et un long-métrage en 1991 et 1996 ainsi qu'une série de films dont il interviendra en tant qu'assistant réalisateur sur deux ans (1988-1989), signe avec cette fausse suite son dernier projet personnel en tant que cinéaste. Une fausse séquelle effectivement puisque après avoir pris la relève de Robert Mandel mais en suivant toujours le script des scénaristes Roy Frumkes et Rocco Simonelli (sans l'apport cette fois-ci d'Alan Ormsby), Steven Pearl y décrit désormais le récit de ces nouvelles aventures scolaires à travers là encore un ancien mercenaire. Mais cette fois-ci, Jonathan Shale laisse la place à Karl Thomasson. Exit donc l'acteur Tom Beranger qui en cette année 1998 est parti tourner trois longs-métrages (The Gingerbread Man de Robert Altman, Shadow of Doubt de Randal Kleiser ainsi que Murder of Crows de Rowdy Herington) pour laisser l'opportunité à Treat Williams d'interpréter un personnage qui n'est pas sans rappeler celui incarné dans le précédent opus de la quadrilogie. Et comme l'on ne change pas un concept qui marche, là encore ce tout nouveau professeur de substitution va avoir à faire avec de dangereux criminels. The Substitute 2 : School's Out démarre non plus sur l'agression d'une prof mais sur un meurtre. Celui du frère du nouveau protagoniste principal qui dans ce second volet va, contrairement à Jonathan Shale, conserver son identité mais se faire passer pour un professeur afin de s'infiltrer au sein d'un établissement et surtout, d'une classe où la discipline demeure relativement difficile à maintenir... Bien que sur The Substitute 2 : School's Out l'on retrouve deux des trois scénaristes du précédent volet à l'écriture du script, là encore bien des choses ont changé. Tandis que les trois hommes avaient deux ans plus tôt œuvré sur un scénario plutôt remarquable, cette fois-ci, les deux seuls qui se sont attelés à l'écriture de ce second opus semblent avoir choisi de simplifier la structure du récit en évacuant une bonne partie de ce qui faisait l'intérêt du précédent script. Ce n'est qu'en découvrant ça et là quelques extraits plutôt alléchants de cette ''séquelle'' que l'idée de me lancer dans la projection de ce téléfilm m'est venue en tête...

Mais alors que la présence de l'acteur Treat Williams est tout d'abord venue confirmer l'hypothèse que le film avait probablement de quoi apporter un surplus d'intérêt à une saga démarrée sous les meilleures augures, une fois parvenu jusqu'au générique de fin, ce fut plutôt la déconvenue ! Malgré une carrière plutôt intéressante jusque là, riche de collaborations liées notamment à Miloš Forman, Steven Spielberg, Sidney Lumet, Sergio Leone et Peter Medak ou encore sa présence dans la très sympathique comédie horrifique de Mark Goldblatt Dead Heat sortie chez nous en France sous le titre Flic ou Zombie, Treat Williams ne bénéficie malheureusement pas avec ce nouveau personnage de Karl Thomasson du meilleur compromis entre interprétation, caractérisation et direction d'acteur... Lui qui assurera par sa présence en 1999 et 2001 le rôle de Karl Thomasson a surtout le malheur de passer après Tom Beranger et d'être dirigé non plus par le talentueux Robert Mandel mais par un cinéaste dont la carrière en tant que réalisateur fut aussi courte qu'inintéressante ! Faisant l'impasse sur l'humour et sur le côté dramatique qui étaient deux des points d'orgue de The Substitute, Steven Pearl signe un second volet bourrin, sans finesse, réduit à sa plus simple expression de film d'action parfois invraisemblable. Comme lors de cette fusillade dans les couloirs du lycée. Des dizaines de balles qui fusent sans que le héros ou son meilleur ami venu à sa rescousse n'en prennent une seule dans le buffet ! Du côté des personnages secondaires, c'est la crise. Bien que le script de Roy Frumkes et Rocco Simonelli ajoute au récit la nièce du héros (Susan May Pratt dans le rôle de Anya Thomasson), quelques membres de l'établissement scolaire et un certain nombre d'élèves dont le plus attachant sera très vite délaissé par des scénaristes et un réalisateur qui auront fait le choix de le faire mourir, The Substitute 2 : School's Out n'est en la matière, malheureusement pas du tout à la hauteur de son prédécesseur. Très mal branlé lorsque l'on évoque l'écriture, la caractérisation et par prolongement, la mise en scène, le film ne vaut finalement que par ces quelques instants relativement jouissifs mettant en scène Karl Thomasson face à ses élèves. Pour le reste, le film n'est au fond qu'un petit téléfilm d'action très banal...